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Derrière son prénom hérité de la mythologie grecque, Cassandre est une jeune fille élevée dans une famille traditionaliste où personne ne semble plus s’étonner de rien. Pas même d’une certaine promiscuité entre ses enfants qui a dérivé vers des relations incestueuses, sans que quiconque paraisse s’en émouvoir sérieusement. Hélène Merlin signe avec Cassandre un premier film puissant et déroutant qui aborde l’interdit avec un regard pénétrant et subtil, en épousant celui d’une adolescente prise au piège d’un nœud de vipères d’autant plus pernicieux qu’il ne semble choquer ni ses parents d’une permissivité coupable qui va se retourner contre eux, ni son frère dépourvu de repères moraux dignes de ce nom. La réalisatrice bénéficie en outre d’un casting qui ne fait qu’ajouter à la confusion des sentiments. Avec l’impressionnante Billie Blain (la petite fille de Gérard, le héros du Beau Serge) dans un rôle ô combien délicat et ses parents toxiques qu’incarnent Éric Ruf et Zabou Breitman dans un mélange détonnant d’anticonformisme et d’amoralité. Cassandre s’impose comme une étude de mœurs sur les secrets de famille et les non-dits assassins. Une alternative sulfureuse aux Chatouilles qui entretient un malaise de salubrité publique, tout en distillant un mélange de pudeur et de poésie qui rend son propos universel.
Dans quelles circonstances avez-vous été amenée à réaliser ce premier long métrage ?
Ayant été moi-même comédienne, j’avais le goût de la direction d’acteurs. J’ai suivi une formation de journaliste reporter d’images à l’École des Gobelins, et tourné des films institutionnels dont une web série de communication pour un client de Publicis. J’ai également réalisé un tout petit court métrage autoproduit que j’ai envoyé au Nikon Film Festival. Par la suite, j’ai eu la chance de participer à la résidence Émergence en 2019, avec des acteurs différents, en l’occurrence Céleste Brunnquell dans le rôle de Cassandre, avec Claude Perron et Laurent Poitrenaud pour ses parents. On a tourné la scène du repas au manoir avec la copine qu’incarnait Carmen Kassovitz avant son rôle de cavalière dans Tempête, et celle de l’épilation, deux séquences qui présentaient de forts enjeux de mise en scène et m’ont permis d’être confrontée à des problèmes et de chercher des solutions. C’était mon premier tournage en équipe et je me suis sentie comme un poisson dans l’eau sur le plateau. Mais j’avais des idées précises et je n’ai jamais eu peur du groupe, car j’ai aussi été médiatrice culturelle et j’ai géré des groupes d’enfants et d’adolescents. Reste que j’ai commencé à écrire le scénario en 2016 et que le film sort près de dix ans plus tard !
Comment avez-vous envisagé le traitement de ce sujet ?
Je voulais que le cœur du film se resserre sur l’été 1998 pour ce personnage- qui va intégrer un centre équestre et comprendre simultanément que sa famille dysfonctionne. Il était important pour moi d’inscrire ce moment de vie dans le cadre d’une logique familiale et d’un héritage traumatique et pathologique qui se transmet de génération en génération. Toute l’intro avec la voix off permettait d’inscrire les personnages des parents dans leur trajet de vie, en ciblant leurs paradoxes et leurs contradictions. C’était aussi un moyen de développer une empathie pour ces personnages-là, alors même qu’on a plutôt envie de les détester à divers moments du film. L’idée était vraiment de montrer une systémie familiale qui résonne avec un ordre sociétale établi et donc d’inscrire le trajet de cette adolescente et l’événement dramatique qu’elle va vivre avec son frère au sein d’une logique et d’une mécanique beaucoup plus vastes. Le cœur de cette histoire montre que le personnage devient adulte et se sort de ce traumatisme en réussissant à en faire quelque chose de positif. En l’occurrence, elle utilise la marionnette comme médium pour raconter cette histoire et la transcender, ce qui permettait une mise à distance et aussi d’offrir des moments de respiration après les scènes d’abus qui peuvent paraître un peu éprouvantes. L’idée était d’apporter des petits moments poétiques, métaphoriques, de respiration, et de les distiller tout au long du film pour que le spectateur ne soit pas pris en étau, étouffe ou se sente trop affligé par ce qui se passe. Ça explique aussi tous ces moments de respiration avec les chevaux dans la nature et quelque chose de très singulier qu’on voit rarement au cinéma, quand un ou plusieurs personnages réinterprètent des choses vécues en les analysant autrement.
La construction du film s’est-elle imposée dès le début de l’écriture ?
Ce film est vraiment le fruit de vingt ans de thérapie, de réflexion, de la lecture d’ouvrages psychologiques et anthropologiques consacrés aux traumas, notamment un livre de Dorothée Dussy intitulé “Le berceau des dominations - Anthropologie de l’inceste” [Éditions la Discussion, 2013]. L’histoire que raconte Cassandre a été nourrie à la fois par mes lectures, ma propre expérience, ainsi que la compréhension et le regard que je peux avoir aujourd’hui, à l’âge adulte, sur cet épisode de ma vie. Il y a donc pour moi énormément de couches qui se superposent les unes aux autres. L’humour que je peux mettre dans le ton est en outre une manière de mettre de la distance et de reprendre le pouvoir sur le drame, en apportant une expérience de pensée et une réflexion par rapport à ce qui se joue du drame. En tant qu’adulte, aujourd’hui, je n’ai plus peur de mes parents, j’ai dépassé mes traumatismes, mais je vois aussi combien eux-mêmes étaient piégés. Il y a là une histoire de société, d’héritage, de violence qui se transmet de génération en génération. Donc j’aborde chacun de ces personnages avec son trajet, les drames qu’il porte, les empêchements et les névroses qu’il manifeste, ce qui est aussi un héritage de l’humour noir de mes parents qui aimaient Pierre Desproges et m’ont fait découvrir Coluche dont ils appréciaient l’humour grinçant. Des gens qui manifestent beaucoup de panache, qui sont assez flamboyants et en même temps peuvent se montrer extrêmement violents. J’en ai hérité et j’ai décidé d’en faire une force. C’est ce que j’ai envie de transmettre et de transformer.
Est-ce que quand votre scénario a été terminé, vous avez ressenti le besoin de le faire lire à un psychothérapeute ?
C’était moins un besoin qu’une curiosité, en espérant être “validée” et qu’il me dise que c’était bien décrit. Parce que je me suis nourrie de mon expérience de vie, d’énormément de livres sur ce sujet dont “La familia grande” de Camille Kouchner [Seuil, 2021] et aussi des histoires d’autres filles qui ont été abusées, afin d’y trouver des petits détails qui rendent la situation très concrète et très réelle dont j’avais besoin. J’ai aussi montré le film à des psy, à une anthropologue spécialiste de l’inceste, au chef du service psychiatrique de l’hôpital d’Amiens et à deux psychiatres de la Sivis [Système d’information et de vigilance sur la sécurité scolaire] qui ont reconnu dans le personnage de Cassandre ces patients qui viennent en cabinet, qu’on voit à l’hôpital et qui racontent l’étrangeté de ce qui peut se jouer dans ces familles-là, des choses précises parfois très subtiles mais qui s’additionnent. Le film est inspiré de mon histoire, mais en fait il concerne plein de familles, sachant qu’on dénombre officiellement en France plus de six millions de victimes, ce qui veut dire qu’il y en a en fait beaucoup plus.
Éric Ruf
Sur quels critères avez-vous choisi les parents qu’incarnent Zabou Breitman et Éric Ruf ?
Ce sont visiblement des gens qui ne se sont jamais posés de questions et on suppose que leurs parents à eux non plus. Et ainsi de suite, sans que personne ait jamais cherché à remettre tout cela en cause. Il y a chez eux un côté décalé et suranné, sans doute parce qu’ils vivent dans un manoir un peu délabré, un lieu qui symbolise pour moi le poids d’un héritage, mais aussi du patriarcat et de quelque chose qui pèse sur leurs épaules, les emprisonne et les étouffe. Par ce qu’ils incarnent et qu’ils véhiculent, les parents sont assez singuliers et constituent un angle mort. Ils ont assisté à Mai 68, appartiennent à la génération des boomers, donc ils ont connu à la fois la pauvreté, la faim, et en même temps un renouveau total de la société, un bousculement des mœurs et la révolution sexuelle. Ils se retrouvent donc à la croisée de deux mondes et incarnent ses paradoxes et ses contradictions. J’ai choisi Zabou Breitman pour incarner la mère parce qu’elle possède un capital sympathie énorme auprès du grand public. Il fallait jouer cette carte pour qu’on comprenne ce personnage avec ses blessures et ses contradictions et qu’on ne le déteste pas totalement. Elle possède aussi une folie, un panache, une verve et une énergie particulière, donc elle a pris à bras-le-corps ce personnage et a apporté aussi beaucoup de choses d’elle dont les petites figurines en porcelaine qu’on la voit fabriquer au début. Elles s’inscrivent aussi dans la filiation des marionnettes et reflètent une certaine porosité entre la fiction et la réalité qui a nourri ce personnage. Elle manifeste une certaine excentricité, se prétend antimilitariste, féministe, militante et finit par épouser un militaire qu’incarne Eric Ruf, l’administrateur de la Comédie française. On imagine donc vraiment la stature d’un homme de pouvoir dominant qui possède une rigueur et dont la voix off du début nous révèle qu’il rêvait d’être dessinateur ou cavalier, ce qui signifie qu’il a complètement étouffé sa sensibilité. C’est un personnage qui s’est fait briser par l’armée et répond aux injonctions virilistes qu’impose la société. Le corps d’Éric Ruf est très massif et je vois à travers lui cette idée de la carapace qu’un homme piégé peut construire pour affronter la vie. Il ne fait pas beaucoup de cinéma, mais en impose vraiment par sa sensibilité, sa finesse de jeu, sa timidité et son humour. Je trouve qu’il a vraiment sublimé son personnage à travers ses nuances, ces moments au cours desquels il est mal à l’aise en arrivant au centre équestre et ne sait pas trop comment se comporter, parce qu’à l’armée, tout est très réglé, très organisé, la hiérarchie est très respectée et il y a des codes intangibles. Et en fait, il se retrouve assez maladroit et intimidé lorsqu’il se retrouve dans la vraie vie et on perçoit tous les paradoxes de ce personnage. J’ai proposé ce rôle à Éric Ruf quand Olivier Gourmet s’est désisté, trois mois avant le tournage. Je lui ai aussi demandé de manifester une sorte de tendresse et de complicité avec sa fille dont il partage la passion pour l’équitation. Il l’éduque comme une guerrière et il y a un vrai lien extrêmement fort entre eux, mais aussi des moments de tendresse et même de complicité, même si celle-ci est “malsaine” et parfois toxique. Quand j’ai rencontré Éric, j’ai compris qu’il allait me dire non et j’ai évoqué plein d’autres sujets qui l’intéressaient, alors il m’a promis qu’il allait réfléchir. Comme je suis assez directe et plutôt entière, je lui ai envoyé un mail qui l’a touché et l’a convaincu d’accepter. Zabou comme lui ont été vraiment convaincus par le scénario, parce que mon amour des dialogues est aussi imprégné par les punchlines de mes parents et plein de phrases entendues dans mon enfance à la télé qu’on ne pourrait plus dire aujourd’hui. Et puis, dès l’écriture, j’avais déjà des idées très précises de mise en scène, d’images et de sons.
Pourquoi avez-vous situé l’histoire de Cassandre dans ce milieu social déclassé ?
Quand j’ai commencé à écrire le scénario de Cassandre, le livre de Camille Kouchner “La familia grande” n’était pas encore sorti. Or, le manoir est arrivé très vite comme personnage du film, incarnant le poids du patriarcat. Moi, mes parents sont plutôt des gens d’origine très modeste qui ont réussi à accéder à un niveau plutôt aisé qui n’est pas pour autant la bourgeoisie. C’est leur culture et leur intelligence qui leur ont permis de se sortir de la misère, mais ça n’a pas affecté leur aveuglement face à l’héritage toxique qu’ils colportent avec eux. Ça m’intéressait de placer cette famille dans un milieu un peu bourgeois décadent pour contrer un préjugé ancré dans l’inconscient collectif et montrer que ce genre de situation n’arrive pas que chez les pauvres. Il y a une consanguinité dans les familles riches ou royales où l’on mariait volontiers les gens entre eux. Moi j’éprouve une compassion qui n’est en aucun cas de la complicité et doit aussi beaucoup à l’interprétation. J’ai toujours voulu défendre les personnages en leur prodiguant de la tendresse et de l’empathie, Dans la direction, dans le jeu, je demandais souvent à Zabou d’être plus douce et j’apportais vraiment des nuances pour réveiller l’empathie du spectateur, afin qu’on comprenne quelles étaient les blessures des personnages et combien eux-mêmes étaient empêchés et prisonniers. D’où le sous-titre du film : Cassandre ou la mécanique des ombres. C’est vraiment cette idée que tous les personnages sont piégés par un système. Le patriarcat impose des injonctions virilistes aux hommes, alors qu’il assigne aux femmes soumission et dépendance. En fait, l’écriture m’a vraiment permis de prendre de la distance par rapport à ma propre famille que j’ai autopsiée pour l’écriture. Pour comprendre que mes parents eux aussi étaient des individus qui avaient eu une enfance, une adolescence, avaient grandi à une époque particulière et que, quand ils étaient jeunes adultes, Matzneff racontait ses frasques pédocriminelles à la télévision et PPDA régnait sur les plateaux. Ça raconte à quel point la société est incestuelle depuis des années et comment, au sein d'une famille qui est la plus petite unité sociale, on va reproduire des comportements qui existent à une plus grande échelle.
Zabou Breitman comme Éric Ruf sont à la fois des acteurs et des metteurs en scène expérimentés. Comment avez-vous géré ce paramètre ?
L’un et l’autre possèdent une expérience considérable d’interprètes et de direction d’acteurs et on s’est amusé comme des fous, parce que j’ai été comédienne pendant dix ans, que j’ai l’habitude d’être à la place de l’acteur et que je possède un amour du texte, du phrasé, de la mélodie et de la rythmique quand j’écris, même si je ne suis pas musicienne. Au cours de la scène de l’épilation, les parents s’adressent à leurs enfants et les voix se croisent, se superposent, comme une mise en scène polyphonique. Et ce qui était très joyeux avec eux, c’est qu’ils possèdent une telle expérience et manifestent une telle précision que ça se jouait parfois à une virgule, une respiration, un soupir, ou au contraire en alignant les phrases très vite. Dès lors, les diriger était une chance inouïe et c’était vraiment incroyable de précision et de richesse.
De quelle façon avez-vous réussi à rendre ce couple crédible ?
Ce sont deux très bons acteurs qui se connaissaient déjà. Éric Ruf avait invité Zabou a mettre en scène une pièce de Georges Feydeau à la Comédie française. Par ailleurs, ce sont des gens qui aiment jouer et quand on les met ensemble et qu’on les observe, c’est comme un match de football où s’exprime un amour du jeu très fort. Leurs personnages sont drôles par leur noirceur et ça a pris tout de suite entre eux par la façon dont l’un et l’autre se sont emparés de leur personnage et grâce à leur complicité. Quand on tournait au manoir, ils dormaient dans le même gîte et je sais qu’ils en profitaient pour répéter, faire des “italiennes” [répétitions d’une voix neutre] ensemble et même avec les enfants. Quelque chose s’est tissé très vite entre eux, sur le plateau et en dehors.
Florian Lesieur et Zabou Breitman
Pourquoi avez-vous choisi Billie Blain pour tenir le rôle-titre de Cassandre ?
J’ai rencontré Billie fin 2021, donc après Zabou. Nous avions commencé le casting en 2019, mais le confinement a engendré des bouleversements. J’ai procédé à trois castings sur trois ans, donc j’ai vu beaucoup de jeunes filles et j’ai ressenti un coup de foudre immédiat pour Billie. La première fois que je l’ai vue, j’ai été séduite par sa profondeur, son mystère, sa présence et son regard. Pendant le tournage, elle avait 20 ans. Son visage était très poupon et encore très juvénile. Elle était donc tout à fait crédible dans le personnage d’une jeune fille de 14 ans. Et puis, malgré sa densité, Billie qui est assez tête-en-l’air et plutôt contemplative possède aussi un côté rêveur et très naïf, dans le bon sens du terme. On a beaucoup travaillé avec elle pendant la préparation trop brève qui nous était impartie, notamment sur le coaching équestre et le renforcement physique. Parce que Cassandre est une petite guerrière, un personnage très sportif qui possède de la violence et de l’impulsivité. Et on a essayé de travailler avec Billie pour qu'elle puisse avoir les deux facettes du personnage, c’est-à-dire l’innocence, la naïveté, la douceur, la profondeur et en même temps quelque chose de plus violent, de plus retors, de plus singulier, qui fasse aussi de son personnage un être complexe, afin que toutes les scènes d’abus avec son frère prennent une direction surprenante pour quelqu’un qui évolue en dehors d’une situation traumatique, mais qui s’explique très bien d’un point de vue psychologique. Ce personnage très singulier peut se révéler à la fois très doux et manifester en même temps une force, une impulsivité et une violence envers elle-même et à certains moments envers les autres. À ses côtés, Florian Lesieur qui interprète le frère, a réussi à rendre ce personnage touchant, avec son visage d’ange et ses fossettes. C’est un jeune acteur très intelligent, fin et très créatif dans ses propositions de jeu qui a réussi à rendre sa voix plus aigüe, à imaginer des tics anxieux pour ce personnage et à lui trouver une maladresse dans son corps. Il a représenté un allié précieux pour Billie.
Pourquoi avez-vous choisi de baptiser Cassandre ce personnage confronté à l’inceste ?
Dans la mythologie, Cassandre est une jeune femme qu’Apollon voulait séduire. Il lui a donc offert le don de prédire l’avenir, mais elle s’est refusée à lui. Du coup, rendu furieux, Apollon lui a accordé ce don de divination, mais lui a jeté un sort qui ferait que sa parole ne soit pas crue. Donc convoquer ce prénom et ce mythe, c’est à la fois définir un personnage féminin fort qui résiste aux avances d’un homme et oppose son refus à son désir, avec aussi l’idée d’une parole qui n’est ni crue ni même entendue et surtout pas prise au sérieux. Dès lors, elle ne prédit pas l’avenir, elle dit la vérité. Dans la société d’aujourd’hui, on commence à envisager différemment toutes les paroles qui se libèrent, alors qu’à l’époque où se déroule le film, les parents n’entendent pas ce que dit Cassandre. D’un côté, sa mère lui dit que c’est de sa faute ; de l’autre, son père banalise en disant que l’inceste est présent dans toutes les familles.
Florian Lesieur et Billie Blain
Comment avez-vous conçu le malaise qui traverse Cassandre sur le plan purement cinématographique ?
J’avais des sons dans les oreilles et des images dans la tête. Donc il était évident que ce serait du cinéma et qu’il y aurait des distorsions spatio-temporelles. Jouer avec la forme est vraiment un plaisir, comme trouver des astuces pour raconter ce que les personnages portent comme problématique, avec le film en guise de résolution. Dans Cassandre, quand elle se lève le premier matin, on a tourné à six et neuf images secondes, ce qui donne une image légèrement saccadée, puis elle a des mouvements qui sont un peu interrompus lorsque son reflet se démultiplie dans le miroir. Pour moi, ça raconte l’éclatement et la rupture de l’identité à travers de légers ralentis, des plongées, des contre-plongées, des top shots [plans filmés à la verticale de la scène] et, au niveau du son, des larsens ou des vagues sonores très denses dans les infrabasses, etc. Tout cela visait à raconter le choc traumatique et la dissociation. Parce que l’inceste, c’est l’intrusion dans le corps d’une violence non désirée.
Au début du film, votre mise en scène joue sur le format de l’écran qui évolue. Quelle était votre intention à travers ce parti-pris audacieux ?
Dès l’écriture, j’avais déjà des idées très précises de mise en scène, d’images et de sons. La technique incarne effectivement la problématique et les thématiques du film en les mettant au service d’une narration, que ce soit à l’image, à la caméra ou à la lumière. Jouer avec la forme est vraiment un plaisir, comme de trouver des astuces pour raconter ce que les personnages portent comme problématique et le film comme résolution. Le film s’ouvre au format carré 1.33, puis s’élargit jusqu’au 1,85, mais c’est une projection inconsciente. Avec l’idée que le personnage comme le spectateur va changer de regard sur cette famille et que son horizon va s’étendre. Quelque chose d’invisible s’ouvre progressivement sans qu’on s’en rende compte, alors que le cerveau, lui, réalise que l’espace s’élargit vraiment, de ce moment de l’été 1998 où Cassandre arrive de la grille du manoir jusqu’au moment où elle monte à cheval au galop dans le rond, l’écran s’ouvre imperceptiblement. Donc on ne le perçoit pas à l’œil, mais pourtant l’horizon passe du 1,33 au 1,85. Il y a une citation de Victor Hugo qui dit que “ la forme, c’est le fond mené à la surface ”.
Billie Blain
Quelles sont vos références en termes de mise en scène ?
Sweetie de Jane Campion et Fish Tank d’Andrea Arnold pour la puissance et la lucidité de leur personnage principal, sa conviction à s’en sortir, son énergie de vie et le risque qu'elle prend. J’aime aussi beaucoup La famille Tenenbaum de Wes Anderson et le cinéma de Pedro Almodóvar pour leur folie et leur mélange le drame et d’humour. J’apprécie également Canines de Yorgos Lanthimos pour son climat totalement dysfonctionnel et l’étrangeté de sa famille qui évolue en vase clos, parce qu’il y a une folie absolue sur la langue, le langage, la définition des mots et comment les parents s’en servent pour tromper leurs enfants. Sur la relation au cheval, notamment, il y a aussi The Rider de Chloé Zhao qui dépeint très bien la relation entre l’homme et l’animal. Parmi mes références, figurent en outre Guillaume et les garçons à table, pour le personnage de cette mère à la fois toxique et drôle qu’interprète Guillaume Gallienne, et La double vie de Véronique de Krszystof Kieslowski, entre autres pour l’utilisation de la marionnette et la puissance de la bande originale composée par Zbigniew Preisner dont je suis absolument fan. Un autre réalisateur que j’adore, c’est Todd Solondz pour son intelligence dans l’analyse et sa façon de décortiquer la psyché humaine et de montrer à travers des détails parfois infimes la folie des personnages au détour d’une réplique et cet humour qu’il est capable de mettre dans le drame. J’ai aussi été très impressionné par Mysterious Skin de Greg Araki qui m’a énormément touchée et inspirée. Il y raconte l’histoire d'un gamin victime de pédocriminalité et deux scènes incroyables de ce film m’ont marquée profondément et m’ont inspiré comment aborder les questions du psychotraumatisme, c’est-à-dire la dissociation des états de sidération et comment on va expliquer ces phénomènes psychologiques par la mise en scène. Il y a dans ces moments de trouble et de traumatisme des disjonctions spatio-temporelles qui opèrent.
Comment envisagez-vous l’avenir ?
Pendant toutes ces années, j’ai poursuivi mon travail de journaliste à Radio France et mon activité de médiatrice culturelle, en animant des ateliers vidéo, car toute cette partie de la transmission est hyper importante pour moi. J’ai passé l’automne et l’hiver dernier à écrire deux cents pages dont je ne sais pas si elles deviendront un scénario, une pièce de théâtre ou un film. Pour l’instant, ça se présente sous la forme d’une sorte de roman et d’un projet photographique, mais peut-être que je vais extraire de cette matière un fil qui me permettra de traiter à la fois du sentiment amoureux et de la confusion dans la création à travers une histoire d’amour entre une jeune femme et un chanteur d’opéra, un milieu dans lequel j’ai travaillé sur le “Don Giovanni” mis en scène par Michael Haneke en 2006. J'ai été fascinée par l’ampleur de ce milieu, les coulisses de cette énorme machine, entre les musiciens, les chanteurs, le chef d’orchestre, le metteur en scène et tous les petits métiers de l’ombre dont la régie. C’est un projet qui a marqué ma vie et m’a nourri artistiquement, tant j’ai aimé cet univers où j’ai envie de retourner. Ce qui est très étonnant quand on crée une œuvre d’art à plusieurs, c’est la porosité entre la fiction et la réalité. On est habité par des imaginaires, on rencontre des gens qui les portent en eux, et en même temps on est dans la réalité et on construit une histoire. Et donc ce qui se passe en coulisse affecte la création, en intégrant la différence entre l’ombre et la lumière, mais aussi le rapport de l’artiste avec son œuvre. Or, toutes ces questions m’habitent, me questionnent et c’est ce que j’ai envie d’explorer. Ça deviendra donc probablement soit un film sur le spectacle vivant, soit une pièce de théâtre avec une histoire d’amour, mais en tout cas, le cadre sera l’idée du spectacle vivant et des mondes qui se confrontent.
Propos recueillis par
Jean-Philippe Guerand
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